年度票房破500亿
这个几个问题仍是痛点
文 | 羊羊
编辑 | 羊羊、耶耶
上周，2025年海南岛国际电影节落幕。作为今年国内最后一个大型电影活动，海影节是个很好的行业年终总结。
除了热闹非凡的《阿凡达3》首映，海南岛国际电影节邀请了众多业内人士，集中探讨了众多当下电影行业最受关注的议题。比如：
如何让观众心甘情愿地回到影院？
如何驾驭AI这匹“黑马”而非被其颠覆？
如何为下一代的电影创作者铺就一条更坚实的成长之路？
最近，国内市场年度票房突破500亿大关，远远超过去年425亿的成绩。但大家的“体感温度”似乎并不温暖，在某种从程度上，当下的电影行业仍有一些迷茫。
而如能理清以上几个问题，前路也许会清晰一些，且听听今年海影节为我们准备的答案。
#01影院的“吸引力”：如何让观众重新为“在场”买单？
出门本身变成了一件困难的事。
导演、编剧、监制（《年会不能停！》《老炮儿》等）董润年的这句感慨，道出了行业的普遍焦虑。
当家庭娱乐唾手可得，电影院凭什么说服观众付出时间与金钱成本？
△ 董润年替很多电影同行说出了心中的焦虑
在海南电影节大师班上，《阿凡达》系列导演詹姆斯·卡梅隆给出了一个充满哲学意味的答案。
他认为，当流媒体以其便利性改变着人们的观影习惯时，影院提供的是一种家庭环境无法复制的“更深刻、更投入的体验”。更准确地说，是一种通过自我选择强加的“规则”——你离开家，付出成本，坐进一个黑暗的空间，从而获得一种专注感。
卡梅隆补充道，在家里，我们被各种事情分心，可以随时暂停，但在电影院，“你无法摆脱，你不能暂停它”，这种强制性的专注，加上3D等技术带来的感官强化，使得观众能更深地感受角色的情绪。
电影是生活的模拟器。我们去影院，体验他人的情感旅程——喜悦、悲伤、失落……这能让我们为自己生活中可能发生的事情做好心理准备。这种体验，任何其他媒介都无法创造。
△ 卡梅隆强调影院的体验无法替代，他的作品给了他底气
卡梅隆这样看待电影院的价值，自有他的底气。能拍出《阿凡达》《泰坦尼克号》这样的电影，观众会抢着买账。
正如中国电影艺术研究中心研究员、当代杂志社社长、主编皇甫宜川所总结的，核心问题在于让观众觉得“值不值得”。
然而，仅靠体验的独特性还不够。
爱美影视CEO李亚平一针见血地指出，创作者首先要扪心自问：
作为观众，你自己想走进电影院看什么？
△ 李亚平强调电影人应从观众视角分析问题
答案似乎正从“一部好电影”转向“一个不容错过的文化现象”。
董润年观察到，今年票房大卖的影片，无一例外都具备了强大的话题传播性，与观众当下的情感需求产生了强连接。它们不再仅仅是电影，而是社交货币，是人们参与公共讨论的入场券。
正如去年《年会不能停》成为职场人的“社交资本”，看电影成了一种必要的社交行为。
这可能意味着，未来的高票房电影必须具备双重属性。
首先是情感共鸣的普世性。
华夏电影发行副总经理黄群飞强调，要
用故事承载文化，而不是文化解释故事。
聚焦爱情、亲情、勇气等全人类共通的情感。
△ 黄群飞强调电影情感共鸣功能的重要性
然后是社交属性的引爆点。
影片需要具备成为社会热点的潜力，激发观众的讨论欲和分享欲，从而形成滚雪球式的口碑效应。
作为本届海南岛国际电影节评委会主席，意大利电影制片人、学者、策展人马可·穆勒提供了另一个维度的思考。
他认为，电影节的任务不是“培养”观众，而是“寻找”观众。通过巧妙的策展策略，可以引导观众接受更多元的电影类型。
他在洛迦诺电影节的实践就非常成功：将一部好莱坞明星大片与一部阿巴斯的艺术电影捆绑放映，并降低票价。结果，8000多名观众在看完商业片后，有6000多人留下来看完了艺术片。
这种“A+B”的打包策略，成功地为小众电影找到了潜在观众。
△ 马可·穆勒策划电影节的经验完全可以应用在更广阔的市场
这一思路对日常排片同样具有启发意义。
影院和发行方需要更精准地触达目标群体，通过分线发行、主题影展等方式，为不同类型的影片找到它们的“部落”，而不是用一套标准衡量所有电影。
总而言之，让观众回到影院，需要三管齐下：用不可替代的沉浸体验对抗家庭娱乐的便捷，用引爆社交的文化现象形成滚雪球式的口碑效应，用精准智慧的发行策略帮观众找到适合他们的作品。
#02AI的“双刃剑”：创作的文艺复兴还是人类的终结？
如果说影院的挑战是“外部竞争”，那么AI的崛起则是“内部革命”。在本次电影节上，关于AI的讨论几乎无处不在，，既有“拥抱派”，也有“警惕派”。
腾讯公司副总裁、腾讯在线视频董事长孙忠怀系统地描绘了AI影视创作的现状与未来。
他认为，AI正从“玩具”变成“工具”，并沿着两条路径发展：一是彻底重塑工作流的“原生AI创作”，二是赋能传统流程的“AI辅助创作”。
△ 孙忠怀认为AI正从“玩具”变成“工具”
目前，AI最直接的价值在于“降本增效”。
爱美影视CEO李亚平用真实案例证明了这个观点：一位年轻导演用15天时间，花费约2000元，就制作出一部视觉效果惊人的9分钟AI短片。这在过去是不可想象的。
腾讯孙忠怀和导演董润年共同提到了一个核心概念——“创作权的平权”。
作为一个资本密集、流程复杂的工业品类，影视工业天然就有非常高的壁垒。但是AI技术正在不断降低这些壁垒，让“创作权”被重新分配。
孙忠怀这样阐释这个问题。
董润年更是将AI视为打破传统影视行业层层筛选机制的利器，让创作者能更直接地面对观众。
△ “AI让创作平权”成为了很多电影人的共识
当创作门槛降低，一场影视界的“文艺复兴”或许正在酝酿，孙忠怀预言了几个趋势。
题材复兴：过去因成本高、风险大而被搁置的科幻、航海等宏大题材，将重获新生。
创意复兴：AI成为“灵感放大器”，让创作者的想象力不再受制于技术和预算。
美学复兴：意识流、风格化等小众美学表达将有机会登上银幕。
生态复兴：大公司重构，小团队如雨后春笋般涌现，整个产业生态将更加丰沛。
董润年呼吁创作者们：
要立刻行动，大量地使用AI进行实验。
他相信，三年内就可能出现工业级的AI长片。
然而，热潮之下，冷静的思考同样重要。AI并非万能，其局限性也相当明显。
孙忠怀指出，目前AI在画面一致性、表演细节和分辨率上仍有待突破。
卡梅隆在大师班上也表达了类似的观点，
AI可以提升工作流程，让我们更有创意，这只是要有高标准……但AI创作不出没人创作过的作品。AI可以做出一个跟《阿凡达》差不多的作品，但是在这部电影上映前，它是做不出来的。
△ 卡梅隆认为AI可以作为辅助创作的工具，但不能成为创作者
此外，AI的版权问题也是让影视行业担忧的一个重要问题。
腾讯研究院秘书长、法学博士张钦坤给出了一个相对乐观的判断：只要AI生成的内容能体现出人的创意性劳动（如构思、选择、编排），就能够获得《著作权》制度的保护。法律正在努力跟上技术的步伐。
△ 张钦坤表示法律正在努力跟上技术的步伐
面对AI，行业的共识是：它不是敌人，而是一种强大的新工具，关键在于如何使用它。
正如卡梅隆在谈及《阿凡达》系列中使用的表演捕捉技术时所强调的，技术本身不是目的，而是为了更纯粹地服务于表演。
未来影视行业一定会出现很多“艺术工程师”和“科技艺术家”，他们要做的是用技术解放想象力，以便更好地对人性和情感进行探索。
#03新人的“敲门砖”：如何为未来的创作播下种子？
电影的未来，终究属于年轻人。如何帮助青年电影人快速成长，是每一个电影节都无法回避的议题。
从各位前辈和行业领袖的分享中，我们似乎已经看到了一条比较清晰的路径。
“找资金”是新导演面临的最大难题。
《刺客聂隐娘》《诗眼倦天涯》《狂野时代》等电影的美术指导与造型设计师黄文英早已在业内获得认可，最近，她转型导演，有了不少新的感悟。
△ 资深美术指导黄文英转型导演，积累了更多宝贵的经验
在海影节大师班上，黄文英谈及执导首作《车顶上的玄天上帝》的经历时坦言，最初的启动资金并非来自业界，而是15位同学、朋友的支持。
成熟的电影人“待遇”尚且如此，也反映出青年创作者融资的困境。
黄文英强调，对于新导演而言，一个“志同道合的制片人”至关重要。一个好的制片人能帮助导演控制预算，在最好的环境下完成创作。她的感悟是：
作品代表你是谁，尤其是导演的第一部作品。
△ 黄文英认为志同道合的制片人对一个新导演很重要
为了解决这个“痛点”，行业平台和资深影人正在行动。
大麦娱乐总裁李捷介绍了他们的“海纳国际青年导演发展计划”，旨在全球范围内寻找和培养具有国际审美的青年导演和编剧。
李捷透露，他们邀请了张艺谋、黄建新和江志强等电影人，为这些年轻导演担任总导师。他们的目标是为行业贡献100位既能扎根中国文化，又能够拍出精良的商业片的新导演。
△ 李捷分享大麦娱乐的海纳国际青年导演发展计划
马可·穆勒也提到，像上影集团董事长任仲伦这样的制片人，曾帮助贾樟柯等导演从“地下”走向“地上”，为他们提供了真正的预算支持。
青年导演需要更多这样的“贵人”。
对于许多孤独的创作者而言，电影节是获得认可、进入行业视野的最重要平台。
导演梁鸣分享：
电影节对于我们来讲是非常重要的鼓励，至少是能够让业内的，行业里的人能够看到你，关注到你。
作为世界知名的选片人，马可·穆勒将电影节的功能发挥到了极致。他不仅通过选片将青年导演推向世界，更在电影节内部设立“完成发展中项目工作坊”，让国内外大电影节的代表提前看到未完成的中国电影。
他举例说，今年在柏林获奖的两部影片，都出自他去年的工作坊。这种模式，能极大地帮助青年导演的作品在早期就获得国际销售代理，进入健康的产业流程。
△ 作为国际知名的选片人，马可·穆勒帮助了很多新人导演
海南岛国际电影节也在朝这个方向努力，通过设立青椰计划、关注本土创作，为青年影人提供展示和交流的机会。
除了资金和平台，经验的传承与合作的机会同样宝贵。黄文英表示，自己乐于和年轻导演合作，用自己的专业知识帮助他们，
每一个导演的第一部片，其实都值得专业的人用心去对待。
法国演员朱丽叶·比诺什则从国际视角提供了建议。她提到法国拥有完善的资金体系，专门资助年轻导演进行艺术探索。她认为这种体系对维持行业的生命力至关重要，因为“艺术可以真正地去激励和提升你”。
△ 朱丽叶·比诺什分享了法国扶持电影创作的方式
此外，马可·穆勒提到了国外电影界流行的“集体创作”或“部落”的模式。
比如阿根廷的潘佩罗电影小组，这种朋友间互相帮助、资源共享的创作方式，能够有效降低成本，激发创意，为青年导演提供了一个可借鉴的成长范本。
观众的离场与回归、AI的颠覆与赋能、新人的困境与突围……经历了电影人的深度讨论后，没有一个问题得出简单的标准答案。
但人类最美好的体验，都是从不确定性走向确定性的过程。
只要坚定地向前走，走出时代的迷雾只是个时间问题。